Traje de baile

Traje de danza medieval

La relación entre danza y trajes de danza es compleja y no refleja simplemente la práctica de la danza en un período específico, sino también el comportamiento social y los valores culturales. Los trajes de baile se pueden dividir en las siguientes categorías: trajes de baile históricos, folclóricos o tradicionales, de salón, modernos y musicales. La influencia se ha extendido de la moda a la danza y viceversa.

Trajes de danza histórica

Desde el siglo XV hasta el XVIII, las festividades en las cortes europeas requerían trajes de baile muy elaborados. El estilo de los trajes de danza de la corte tendía a ser similar a la vestimenta cotidiana de la época, incorporando, por ejemplo, corsés con cordones, mangas abullonadas y cortadas, farthingales con faldas y decoración aplicada. A principios del siglo XXI, la reproducción de trajes de danza histórica se hizo evidente en las actividades de las organizaciones históricas de danza, como el Instituto de Práctica Histórica de la Danza (IHDP) en Gante, Bélgica.

• Disfraces de Tap Dance
• Trajes De Baile Mexicano
• Trajes De Danza Contemporánea

Trajes de danza folclórica

Traje de danza folclórica bávara

Desde el siglo XV en adelante, la danza folclórica se desarrolló de manera constante en Europa. El campo de los trajes de danza folclórica europea es muy complejo, ya que cada una de las regiones del país tiene sus propios bailes, vestimenta y costumbres. Las danzas folclóricas de Europa del Este, como las zardas, las mazurcas y las polcas, pronto se extendieron a Inglaterra y Francia. Los trajes de danza folclórica reflejaban el estilo de Europa del Este en el uso de colores brillantes sobre fondos oscuros. Los trajes a menudo estaban muy decorados con cuentas, metal e hilos de seda. El vestido básico de las mujeres era una camisola corta de color claro y una enagua, sobre la que se usaban varias capas de tela. Un tocado drapeado indicaba el estado civil del usuario (un tocado elegante indicaba que la niña no estaba casada). La danza folclórica europea formó la base de las actividades de danza cuadrada. Los colonos europeos que llegaron a Estados Unidos introdujeron este tipo especial de danza country y su vestimenta primero en Nueva Inglaterra, pero en poco tiempo, la danza cuadrada comenzó a extenderse por todo el país. El vestido de noche era el atuendo estándar para los bailarines: faldas con aros hasta los tobillos para las mujeres y chaquetas formales para los hombres. Durante los siguientes dos siglos, la mezcla cultural de los colonos europeos en América ha dado lugar a una variedad de trajes de danza folclórica nacional. La ropa de danza campesina y vaquera se basaba principalmente en componentes de la ropa cotidiana: camisas, pantalones de algodón y botas de vaquero para los hombres, y vestidos de algodón a cuadros vichy hasta los tobillos para las mujeres. El minueto, la polca, el vals y la cuadrilla a través de Francia e Inglaterra trajeron trajes de baile más elaborados a Estados Unidos: camisas de manga larga y pantalones a medida en un estilo de corte occidental para los bailarines masculinos y faldas y blusas con bordados florales completos para las mujeres. Accesorios como cinturones occidentales, corbatas o pañuelos de seda completaban el atuendo de baile cuadrado.

A fines de la década de 1990, diseñadores de alto nivel como Dolce & Gabbana, Roberto Cavalli y Miu Miu habían creado un 'look de vaquero urbano' con un vestido de inspiración occidental adornado con estampados florales en prendas de vestir como camisas de esmoquin y jeans, como así como las tradicionales botas de vaquero puntiagudas.

A principios de la década de 2000, las bailarinas cuadradas aficionadas y profesionales a menudo usan faldas de doble remolino con volantes alternos en la tela y encaje blanco ancho. El encaje se usa en el corpiño y las mangas, y se cosen un aplique y un lazo en el abdomen ajustado. Los bailarines cuadrados masculinos usan camisas de estilo vaquero con bufanda atada alrededor del cuello, jeans de bolsillo alto y, a veces, un sombrero de vaquero. Los puños de los pantalones generalmente se usan dentro de las botas de vaquero. El folleto de United Square Dancers of America (USDA), Traje de baile cuadrado , es probablemente el mejor recurso para la historia de los trajes de danza cuadrada.

Trajes de danza del vientre

Bailarinas de vientre

La danza oriental, o del vientre, se origina a partir de movimientos en forma de serpiente proporcionados por las hermanas de una mujer que da a luz mientras intentaban inspirarla a dar a luz. En 1893, la danza del vientre fue traída del mundo árabe a los Estados Unidos con motivo de la Feria Mundial de Chicago. Los tejidos de colores exóticos bordados con piedras semipreciosas, lentejuelas y abalorios son característicos del estilo. Las blusas semitransparentes con flecos revelan el estómago y el ombligo, mientras que los sostenes y las faldas envolventes se balancean rítmicamente al ritmo de la música del Medio Oriente. Los cinturones de monedas y los pañuelos de cadera son una parte esencial del atuendo de danza del vientre. A veces, las bailarinas del vientre se cubren la cara con un velo, especialmente cuando la danza la realiza un bailarín (travestismo). Alternativamente, se usan túnicas con cuentas y lentejuelas hasta los hombros hasta el piso sobre pantalones tipo harén. Históricamente, la evidencia apunta a la influencia crucial del orientalismo islámico en la moda europea durante el siglo XX, comenzando con el uso del diseñador francés Paul Poiret de la forma de la túnica y actualizando los estilos anticuados con exóticos pantalones harem y velos envueltos alrededor del cuerpo en la década de 1920. . En la década de 1990, las colecciones de prêt-à-porter y alta costura de diseñadores de Europa occidental y Estados Unidos, como Miguel Adrover, Jean Paul Gaultier, John Galliano, Alexander McQueen y Rifat Ozbek, se han visto influenciadas por los trajes orientales de danza del vientre. Nancy Lindis de Farne-Tapper

Idiomas de vestir en Oriente Medio es una fuente detallada sobre la vestimenta del Medio Oriente tanto en el mundo antiguo como en el moderno.

Trajes de baile de salón

Bailarines de salón

Desde principios del siglo XIX, los bailes de salón fueron absorbidos por un público amplio y se diseñaron vestidos de noche especiales para adaptarse a estas ocasiones. El vals, fox-trot, polka, mazurka y el vals vienés requerían un estilo elegante. Hacia el siglo XX, los trajes de baile para el tango, swing y latín, charleston, rumba, bolero, chacha, mambo y samba eran más eróticos.

Trajes de danza moderna

A principios del siglo XX, los movimientos naturales de Isadora Duncan en el escenario marcaron una nueva era para la danza. El estilo de danza moderna de Duncan ha sido influenciado por el arte griego, las danzas folclóricas, las danzas sociales y el atletismo. Los trajes sueltos y el cabello suelto permitían una gran libertad de movimiento de danza. Después de la Primera Guerra Mundial, surgieron grupos de danza moderna con bailarinas predominantemente mujeres. Durante las décadas siguientes, coreógrafos de vanguardia, como George Balanchine y Martha Graham, y más tarde Merce Cunningham, Paul Taylor, Alvin Ailey y Pina Bausch, reformaron y liberalizaron la danza tradicional y su vestuario. Alejándose de las técnicas tradicionales de ballet, la danza moderna dio lugar a una nueva era de vestuario. El vestuario y el maquillaje adquirieron un aspecto unisex, ya que los coreógrafos sintieron que era menos relevante diferenciar a los bailarines y bailarines. Los diseñadores de teatro experimentaron con trajes semidesnudos: camisetas transparentes y calzoncillos negros cortos para los hombres y corpiños simples y medias lisas para las mujeres eran los conjuntos estándar.

En 1934, el coreógrafo de danza neoclásica George Balanchine fue el primero en vestir a los bailarines de ballet con ropa de ensayo para presentaciones públicas. El uso de no colores caracterizó los trajes de Balanchine, que casi siempre eran en blanco y negro. Su sentido del minimalismo en el escenario se desarrolló a través de la revelación de la desnudez.

Vestido de salón profesional y aficionado

Bailarines de tango

Vestido de tango:

Por lo general, una pieza con una parte superior ajustada y una abertura inferior oscilante que deja al descubierto la pierna. Se utilizan materiales elásticos para garantizar una silueta ajustada. El vestido de baile suele estar muy decorado con pedrería, pedrería, purpurina y lentejuelas.

Swing y vestido latino:

Muy similar a los vestidos de tango, pero la línea del dobladillo mucho más corta hace que el vestido sea más sexual y puede revelar la pierna completa. Los estampados de animales como el tigre o el leopardo intensifican la connotación salvaje de estos vestidos.

Vestido de vals y fox-trot:

Elegante vestido de una pieza, a menudo confeccionado en costosas sedas ligeras o rasos. Un estilo de amplio balanceo hasta los tobillos intensifica los suaves movimientos de estos bailes.

Vestido Charleston:

La necesaria libertad de movimiento estaba garantizada por vestidos camiseros hasta la rodilla bordados con cuentas de vidrio y lentejuelas. El vestido ligero y los flecos largos lo hacían oscilar rítmicamente según los movimientos del baile, que formaba parte del estilo de vida de los locos años veinte y se convirtió en el baile americano más popular en Alemania y Europa; gracias en gran parte a Josephine Baker, quien ofreció actuaciones en 1927 con su Charleston Jazz Band en Berlín.

Vestido Polka y Mazurka:

Vestido tradicional folclórico con diseño de estampado colorido y generalmente una blusa campesina y una falda envolvente adornada con lujosos volantes y guirnaldas. Durante la década de 1970, las blusas campesinas se pusieron muy de moda en la ropa de todos los días, y diseñadores de alta gama como Emilio Pucci diseñaron prendas de estilo étnico con bordados y volantes. Las blusas campesinas florales con dobladillos con volantes suaves tuvieron un renacimiento a fines de la década de 1990 cuando marcas de diseñadores como Yves Saint Laurent, Dolce & Gabbana, Moschino y Christian Dior crearon un tema de moda folclórico.

Vestido de rumba y samba:

Con volantes contrastantes en la falda y las mangas, este vestido a menudo está diseñado en un estilo caribeño con colores brillantes.

Vestido Cha-Cha:

Un vestido de dos piezas con un top ajustado y un amplio escote fuera del hombro, mientras que la falda es amplia y con volantes en la parte inferior. Los diamantes de imitación generalmente se adhieren a la tela para dar un efecto glamoroso.

Martha Graham fue una de las primeras en promover el baile sin zapatos de punta en el escenario. En Desviación de ángeles (1948), vistió a bailarinas con cortinas y los hombres estaban casi desnudos. Las coronas especiales inspiradas en Isamu Noguchi y los alfileres para sombreros de Graham se hicieron particularmente famosos como parte del traje de danza moderna. Recién en los cortes ventilados aparecían faldas y vestidos de baile como pantalones, permitiendo una gran libertad de movimiento. Al principio, los bailes de Graham se realizaban en un escenario desnudo, lo que subrayaba el minimalismo que demostró en el vestuario. Más tarde, también reemplazó las túnicas de ballet tradicionales de los bailarines masculinos y la vestimenta popular y los tutús de las bailarinas por camisas rectas, a menudo oscuras y largas o leotardos de ensayo. Premiada con la Medalla de la Libertad en octubre de 1976, Martha Graham fue la primera bailarina en recibir esa distinción.

En la década de 1950, el vestuario de los coreógrafos de danza contemporánea orientados a Balanchine y Graham, como Merce Cunningham y Paul Taylor, tendían a continuar con el énfasis en el estilo semidesnuda, aunque los estampados en leotardos personalizaban el estilo individual de danza contemporánea y su vestuario. En 1958, el artista Robert Rauschen-berg creó unas medias sedosas y brillantes salpicadas de puntos de arcoíris para Cunningham's Summerspace. Los diseños del coreógrafo y diseñador de vestuario Alwin Nikolais influyeron en el escenario contemporáneo con actuaciones como Noumenon Mobile (1953) y Imagen (1963).

Disfraces de baile musical

La evidencia de teatros musicales se remonta al siglo XVIII, cuando dos formas de esta interpretación de canto y danza surgieron en Gran Bretaña, Francia y Alemania: óperas de baladas, como la de John Gay. La ópera del mendigo (1728), y más tarde en óperas cómicas, como Michael Balfe La chica bohemia (1843). En este momento, muchas obras tenían tiradas cortas, y el vestuario escénico a menudo se basaba en el diseño de vestimenta de todos los días. A finales de la década de 1880, las óperas cómicas conquistaron Broadway en Nueva York y obras de teatro, entre ellas Robin Hood , fueron diseñados para audiencias populares. Desde la década de 1880 hasta la de 1920, surgió el género de comedia musical en Londres, y diseñadores como Lady Duff-Gordon, conocida como Lucile, elaboraron trajes de moda para cantantes y bailarines. A principios de la década de 1920, se popularizaron las técnicas de tap-dance y en el mercado abierto se encontraban disponibles zapatos de tap-dance especialmente diseñados.

Hombres en mallas: el bailarín

En Rusia, los bailarines son muy apreciados y, por lo general, el entrenamiento de ballet clásico es la base para una carrera en la danza. Aunque existe un creciente interés por la danza entre los niños de otros países, muchos son demasiado tímidos para tomar lecciones de danza y se ven obligados a usar mallas, que comúnmente se consideran una prenda de vestir femenina. Por lo tanto, algunas escuelas de danza permiten que los jóvenes varones practiquen con camisetas y pantalones cortos. Debajo de la ropa de práctica, los bailarines suelen usar suspensiones, diseñadas para aislar y sostener los testículos. Alternativamente, se puede usar un cinturón de baile, ropa interior especializada, debajo de las mallas. En ambos casos, la bolsa en el frente es triangular, apretada y casi plana para brindar soporte y forma durante los movimientos de baile. El tema de la masculinidad en la danza ha recibido un tratamiento popular en películas como The Children of Theatre Street (1977) y Billy Elliot (2000). El libro de Ramsay Burt The Male Dance explora el tema de la masculinidad en la danza con mayor profundidad.

Zapatos de claqué: sonidos famosos

Los orígenes del claqué, un estilo de danza teatral estadounidense con juego de pies de percusión, se encuentran en los bailes de esclavos en los estados del sur que incorporaron el movimiento y el ritmo africanos en los jigs y carretes europeos a principios del siglo XIX. El claqué se adoptó en los teatros a partir de 1840, y los tapones con zapatos con suela de cuero se hicieron cada vez más populares. En el fin-desiècle, en el cambio de siglo, se establecieron dos estilos diferentes de zapatos de claqué: zapatos rígidos con suela de madera, también llamados buck-and-wing, popularizados por el dúo Jimmy Doyle y Harland Dixon, y soft zapatos con suela de cuero popularizados por George Primrose. En la década de 1920, se habían colocado placas de metal (grifos) en los zapatos con suela de cuero, que producían un sonido fuerte y agudo en el suelo. En las décadas de 1940 y 1950, bailarines como Fred Astaire, Paul Draper y Gene Kelly popularizaron los zapatos de claqué entre un público más amplio a través de las películas de Hollywood.

En los años cincuenta, musicales como Mi Bella Dama (1956) sorprendió al público con numerosos cambios de vestuario. El diseñador de vestuario Cecil Beaton había creado trajes que realzaban la transformación de Eliza, el personaje principal, de una vendedora de flores común a una dama de sociedad. En 1975, Michael Bennett Una línea de coro abrió en Broadway, y los trajes aeróbicos y de baile se hicieron populares en el escenario y en la vida cotidiana. Tonos de neón brillantes en rosa, verde y amarillo dominaban la gama de colores. Medias de baile, leggings, cintas para la cabeza y muñequeras se extienden desde el escenario hasta la moda y viceversa. En 1988, el musical Fama , inspirada en la película y la serie de televisión, se estrenó en Londres y reflejó la moda de los años ochenta, mostrando leotardos y pantalones cortos. A principios del siglo XXI, el musical de Bollywood de A. R. Rahman Sueños de Bombay (2002) se estrenó en Londres y sus trajes indios demostraron la influencia étnica en el diseño escénico.

Ver también Danza y Moda; Traje de ballet; Música y Moda; Traje de teatro.

Bibliografía

Balasescu, Alexandre. 'Teherán Chic: pañuelos islámicos en la cabeza, diseñadores de moda y nuevas geografías de la modernidad'. Teoría de la moda 7 (2003): 1.

Buonaventura, Wendy e Ibrahim Farrah. Serpiente del Nilo: mujeres y danza en el mundo árabe. Northampton, Mass .: Interlink Publishing Group, 1994.

Burt, Ramsay. El bailarín : Cuerpos, Espectáculo, Sexualidades. Londres y Nueva York: Routledge, 1995.

Carter, Alexandra. El lector de estudios de danza de Routledge. Londres y Nueva York: Routledge, 1998.

Dodd, Craig. El mundo escénico del bailarín. Londres: Breslich y Foss, 1981.

Lindisfarne-Tapper, Nancy y Bruce Ingham. Idiomas de vestimenta en Oriente Medio. Surrey: Curzon, 1997.

Strong, Roy, Richard Buckle e Ivor Guest. Diseñando para el bailarín. Londres: Elron Press Ltd., 1981.

Recursos de Internet

Comité de Educación de United Square Dancers of America, Inc. Folleto B-018 del USDA. Publicaciones del USDA, 1997. Disponible en http://www.usda.org .

Instituto de Práctica Histórica de Danza (IHDP) 2004. Disponible en http://www.historicaldance.com .