Moda Latinoamericana

La vestimenta y la moda latinoamericanas se refieren a la vestimenta, el cuerpo y la cultura de una región cultural mundial grande y heterogénea que incluye a México, América Central, el Caribe y América del Sur. Dado que la naturaleza de la vestimenta en América Latina está muy diversificada, se pueden buscar influencias sociohistóricas superpuestas que han dado forma a la búsqueda de la elegancia y transformado la dinámica de la vida cotidiana para dilucidar algunas características generales.

América Latina antigua

Cuando Cristóbal Colón reclamó las islas de Cuba, así como la República Dominicana y Haití para España en 1492, inició la conquista de las poblaciones indígenas que vivían en la región que llegó a conocerse como América Latina y el Caribe. Las primeras imágenes y relatos de los nativos estadounidenses que circularon por Europa revelan mucho sobre la sensación de asombro que experimentaron los primeros colonizadores. Ven la desnudez de los nativos con desconcierto y se maravillan de la presencia de bienes materiales como telas de algodón, intrincados trabajos de plumas y tejidos. Este 'Nuevo Mundo' proporcionaría a Europa bienes materiales tan variados como plata, oro, azúcar, chocolate, textiles y tintes. Portugal, involucrado en su propio impulso por el poder colonial, desafiaría con éxito a España por la región que conforma el país de Brasil. A medida que España y Portugal establecieron rápidamente gobiernos coloniales, las poblaciones nativas sufrieron los efectos de una conquista brutal, enfermedades incurables y conversión forzada al cristianismo. Fray Bartolomé de Las Casas condenó duramente las prácticas de explotación de los conquistadores y colonos que habían recurrido a la esclavitud y otras formas de violencia sistemática para establecer ranchos, minas e industrias textiles.

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Para mantener un sentido de jerarquía y responder al aumento mestizaje , o mestizaje, se estableció un sistema de castas en toda la región. Antes de la colonización, la vestimenta y los textiles a menudo habían servido como indicadores de identidad social y religiosa y como medio de intercambio. El sistema de castas obligó a los nativos y esclavos africanos a vestir estilos occidentales de vestimenta, reforzando así la autoridad de los españoles y portugueses y, con el tiempo, de sus descendientes criollos. Algunas comunidades indígenas dieron voz a su historia y creencias religiosas con la ayuda de intrincados sistemas de codificación de colores, como los que se encuentran en tejidos o compilaciones de hilos. De esta manera, el huipil de Guatemala y las tierras altas de México colocaron a las deidades del sol y del inframundo en diálogo con la fe cristiana. Todavía se usa hoy en día, esta blusa tradicional componente de los mayas traje , o vestimenta, revela información sobre la aldea, el estatus, la herencia y las creencias personales de una mujer. Excavaciones recientes en Argentina y Brasil apuntan a los orígenes africanos e islámicos de algunas piezas de joyería encontradas cerca de los sitios de plantaciones y mansiones urbanas, lo que sugiere que los accesorios pueden no haber sido censurados por las autoridades coloniales de la misma manera que la vestimenta. Como indican los registros judiciales, uno podría usar casi cualquier diseño siempre que sea específico de género. La selección de la tela, sin embargo, fue un asunto muy serio. Dependiendo de su estatus social, una mujer mexicana del siglo XVIII habría comprado un vestido de seda o de algodón. rebozo o bufanda. Los decretos prohibieron el uso de ciertos textiles por aquellos a quienes el sistema de castas consideraba inferiores, lo que llevó a la prohibición del terciopelo o tafetán para los incas de confección especial. unku s, o túnicas, en la región andina.

Independencia y estilo de vestir

Argentine peinetón

A principios del siglo XIX, la región experimentó varios llamados a la independencia de España y Portugal que afectaron profundamente la forma en que la gente consumía la moda. Para Cuba y Puerto Rico, esta lucha por la independencia no se materializaría hasta finales del siglo XIX, aunque la descripción de la moda y la danza en varias obras literarias comenzó a tramar la desaparición del dominio español y a construir identidades políticas alternativas. En el imaginario visual de este período, líderes criollos como Simón Bolívar (Venezuela) y José de San Martín (Argentina) aparecen con capas azotadas por el viento y uniformes de su propio diseño. Muchas mujeres se vieron obligadas a coser accesorios de guerra, sus productos a la vista y sus identidades ocultas. Algunas, entre ellas Juana Azurduy de Padilla (Bolivia) y Josefa Tenorio (Argentina), se pusieron uniformes masculinos para luchar en el campo de batalla, argumentando luego que merecían un estatus igual en la sociedad poscolonial. Alejándose de las costumbres de España, las mujeres de moda de Buenos Aires transformaron la cultura española. peineta , o peine de pelo, en el argentino de tres pies por tres pies peinetón para afirmar su presencia y en ocasiones obstruir la propia esfera pública que profesaba independencia de la opresión pero que, irónicamente, aún no había concedido todos los privilegios de la ciudadanía. En caricaturas satíricas de la época, las crestas agrandadas de las peinetas de las mujeres llevan al centro de Buenos Aires y rápidamente dominan los sombreros de copa de los hombres.

Tras el retroceso del colonialismo español, la retórica de la moda brindó un foro de debate sobre la configuración de la identidad nacional. En algunos casos, la escritura de moda permitió a los intelectuales difundir importantes agendas políticas y evadir a la censura. En la región del Cono Sur, el régimen de Juan Manuel de Rosas buscó eliminar la oposición política exigiendo una insignia escarlata en un chaleco , o chaleco de hombre, de todos los ciudadanos. En un violento impulso hacia la homogeneidad, un decreto prohibió el celeste, el color identificador de la oposición, y el verde, un conocido símbolo de esperanza. En este clima desafiante, los miembros de la alta sociedad introdujeron un lenguaje secreto de fanáticos, inserciones codificadas para sombreros de copa y guantes que revelan mensajes, para expresar lo que estaba en la mente de un usuario. Apropiando metáforas del ámbito de la moda, en 1837, un grupo de intelectuales argentinos fundó una revista de moda, titulada La Moda después de la audaz La moda que había servido como fuerza de oposición violenta en la Francia revolucionaria. Utilizando seudónimos femeninos y aprovechando el hecho de que pocos asociaban la escritura de moda con la política, estos padres fundadores de la Argentina moderna afirmaron sus ideales urbanos y democráticos antes de exiliarse en los vecinos Chile y Uruguay para evitar la persecución. En una exploración de la dinámica de la civilización y la barbarie en su país natal, Domingo Faustino Sarmiento, uno de los La Moda Los fundadores y futuro presidente argentino (1868-1874) abogaron por un proceso de consolidación que despojara a la nación de sus valores rurales tradicionales, personificados por el gaucho sin ley vestido de poncho que había defendido durante mucho tiempo el poder de Rosas; El objetivo de Sarmiento era que el país adoptara un estilo de vida urbano y, por lo tanto, más 'civilizado', más propicio para los objetivos del gobierno de crecimiento económico y modernización. Los auges económicos de fines del siglo XIX le darían a Argentina la reputación del París de América del Sur, ya que su paisaje urbano se transformó en una alusión al lujo, el consumismo y el capitalismo internacional.

Los inmigrantes traen la moda europea

Con la afluencia masiva de inmigrantes europeos a las ciudades latinoamericanas a principios de siglo, el lujo asumió un papel fraudulento. Los miembros de los nuevos ricos y los recién llegados comenzaron a imitar los estilos de las clases altas para encontrar trabajo, teniendo en alta estima las novedades de París. Con la aparición de la litografía de moda, costureras , o sastres, copiaban diseños europeos (a veces apropiándose de estilos para el clima de una región en particular) y luego encargaban costureras que, soportando condiciones de trabajo miserables, ensamblaban prendas con la ayuda de máquinas de coser. Si bien el vestido de las mujeres se había vuelto un poco más flexible, todavía incorporaba el corsé y las faldas en capas y las colas que requerían bullicio. A medida que las máquinas de coser se volvieron más asequibles, muchas mujeres optaron por comprar ropa confeccionada o crear sus propios estilos más cómodos en casa. Juana Manuela Gorriti (Argentina) y Clorinda Matto de Turner (Perú) alentaron a los lectores a considerar diseños individualizados y la perspectiva de la emancipación femenina, utilizando el lenguaje de la fantasía y la autotransformación, o escritura de moda, para entrar en un debate público sobre el materialismo y la mujer. autonomía económica.

Durante el siglo XX, la vestimenta latinoamericana inspiraría varias modas en Europa y Estados Unidos, desde la blusa con volantes de encaje inspirada en la rumba afrocubana, hasta la conocida mexicana. Huaraches , o sandalias de cuero trenzado, hasta el sombrero Panamá de paja realmente creado en Ecuador. Moda y Mirar prestó atención a las mujeres latinoamericanas que marcan tendencia cuyas visiones de la alta costura, como en el caso de Eva Perón (Argentina), y diseños nativos, recuerdan a la pintora surrealista Frida Kahlo (México) que incorporó el folclore china poblana El traje en colores vivos y con falda de vuelo en sus autorretratos y en la vida real, seguiría resonando en el imaginario popular hasta la actualidad. Otras declaraciones de moda, más contemporáneas, han tendido a revisar el pasado para obtener un efecto retro, como el joven cubanoamericano vistiendo el guayabera , una camisa liviana de algodón bordada que se usa sin abrochar en todo el Caribe; o el zoot-suiter chicano, cuyas apropiaciones de los trajes de su padre en tiempos de guerra inspiraron orgullo étnico frente al racismo y la brutalidad; o el chico del club adolescente con estilos Inca-techno mientras baila en la discoteca.

Tiempos revolucionarios

Mother of the Plaza de Mayo, 2008

La última parte del siglo XX fue testigo de una horrible reacción contra los valores democráticos cuando países como Argentina, Chile y Uruguay instalaron gobiernos militares. Los estrictos códigos de género impusieron looks limpios para los hombres y estilos femeninos para las mujeres. En respuesta a los abusos contra los derechos humanos y la difícil situación de los 'desaparecidos' (que se refiere a las decenas de miles de víctimas que fueron asesinadas o cuyo paradero aún se desconoce), las Madres de Plaza de Mayo en Argentina comenzaron a protestar cerca de importantes monumentos con sus túnicas matutinas y zapatillas de casa, como para indicar visualmente que no tenían a nadie en casa a quien cuidar, ya que el régimen se había llevado a sus hijos e hijas. Las Madres visten un pañuelo blanco bordado con los nombres de sus seres queridos desaparecidos durante sus marchas semanales. Sirviendo como monumentos vivos para las víctimas de la represión, los grupos de madres en El Salvador y en todo el mundo se han apropiado de este mismo pañuelo blanco en sus luchas contra la injusticia social.

Los movimientos revolucionarios de Cuba (1959-) y Nicaragua (1979-1990) marcaron un giro hacia la antimoda socialista, que asociaba la búsqueda elitista del lujo con el tipo de dominación capitalista que creaba dependencias de bienes extranjeros y explotaba a las clases trabajadoras. De hecho, gran parte de América Latina había experimentado un desarrollo económico desigual a lo largo del siglo XX. En la industria de la confección, las multinacionales dependían de la mano de obra barata de los trabajadores nativos para tejer, ensamblar y coser prendas. Pero en años más recientes, incluso el revolucionario Fidel Castro (Cuba) ocasionalmente se despojó de su camuflaje por los placeres de vestimenta de un traje de diseñador azul oscuro. Una mayor conciencia de las condiciones de explotación de la maquiladora , las zonas de procesamiento de exportaciones establecidas en la década de 1960 que continúan operando bajo el Tratado de Libre Comercio de América del Norte (TLCAN), a veces llevaron a los consumidores a boicotear colecciones específicas y presionar por un sistema de moda con mayor conciencia social. Algunos diseñadores, como Carlos Miele (Brasil), han trabajado con mujeres del favelas , o barrios de chabolas, y varias comunidades indígenas para establecer cooperativas que aseguren salarios de comercio justo para sus creaciones.

Estilo moderno

Respondiendo a las posibilidades que ofrece un marketplace global y las conexiones a Internet, los diseñadores hispanos Carolina Herrera (Venezuela), Oscar de la Renta (República Dominicana), junto a Beth Sobol (Estados Unidos) y Victoria Puig de Lange (Ecuador), formaron el Consejo. de diseñadores de moda latinoamericanos en 1999. Una Semana de la Moda de las Américas afiliada estableció una plataforma internacional para la moda y la cultura latinoamericanas. En los periódicos, surgió una nueva palabra en la cultura popular que combinaba Moda y el sufijo español -Su (implicando, con un tinte de sarcasmo, un devoto). El vestido-consciente fashionista buscó información sobre nuevos talentos como Narciso Rodríguez (Estados Unidos), el famoso diseñador del vestido de novia de Carolyn Bessette Kennedy, en las páginas de estilo en constante expansión de periódicos y revistas electrónicas, y enfrentó con entusiasmo la proliferación de identidades de moda. En los centros urbanos de São Paulo, Buenos Aires y Bogotá, supermodelos como Gisele Bündchen (Brasil) y Valeria Mazza (Argentina) promovieron eventos de moda nacional con atractivo internacional. Al mismo tiempo, los acuerdos de libre comercio entre países, como el bloque Mercosur del Cono Sur, han permitido a los diseñadores de moda crear organizaciones transnacionales, como Identidades Latinas , para acceder a nuevos mercados. Entre otros, las casas de Laurencio Adot (Argentina), Alexandre Herchcovitch (Brasil), Ronaldo Fraga (Brasil), Rubén Campos (Chile), Silvia Tcherassi (Colombia), Sitka Semsch (Perú) y Angel Sánchez (Venezuela) obtuvieron fuertes reputaciones en la categoría de ropa de mujer. Lina Cantillo y Ricardo Pava (ambos de Colombia) parecían más conocidos por sus colecciones masculinas. Fraga y Sylma Cabrera (Puerto Rico) se destacaron en los círculos de la moda por su atención a la ropa infantil. En el siglo XXI, la reputación de los diseñadores de moda latinoamericanos siguió aumentando en el escenario mundial de la moda.

Ver también Estilo Latino.

Bibliografía

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